I Ciclopi (Eye, Camera, Myth)

MOSTRE

In un breve testo intitolato «Art Through the Camera’s Eye» (1971 circa), Robert Smithson immagina il negozio di fotografia come ambientazione di un film horror ispirato al mito del Ciclope, così come appare nell’Odissea di Omero. Nella versione di Smithson, il negozio di macchine fotografiche sostituirebbe la caverna in cui il ciclope Polifemo intrappola Ulisse e i suoi uomini, e lo stesso Ulisse interpreterebbe il ruolo del commesso: “Ogni scatto esporrebbe il commesso e il suo negozio a una parziale distruzione”, scrive. Qui, l’obiettivo della macchina fotografica è l’occhio ciclopico, vigile e divorante, che “allude a molti abissi”. Essere visti attraverso questo unico occhio significava la morte, suggerisce Smithson, che era lui stesso sopraffatto dalla pletora di tecnologie fotografiche disponibili all’epoca e soffriva di affaticamento alla «vista di schiere di attrezzature».

In altre sezioni della mostra, altri artisti hanno sperimentato nuove forme espressive con la macchina fotografica, seguendo l’esempio del film di Margaret Raspé del 1983, Gelb, Rot und Blau entgegen (Verso il giallo, il rosso e il blu). Alla fine degli anni ’70, Raspé ideò e costruì un “casco-macchina da presa” per registrare le faccende domestiche, spesso banali, e la propria pittura espressionista (nell’ultima inquadratura di Gelb, Rot und Blau entgegen, l’artista si gira verso una telecamera posizionata per documentare la sua pittura). Mentre questo punto di vista soggettivo è stato reso mainstream dall’avvento delle tecnologie GoPro, Raspé filmava direttamente ciò che vedeva come una “macchina-donna-macchina”.

La presenza della macchina fotografica nella vita quotidiana è ormai onnipresente: in un certo senso, viviamo tutti nel negozio di macchine fotografiche di Smithson. Riprendendo questo legame tra l’occhio singolo e l’obiettivo della macchina fotografica, I Ciclopi (Eye, Camera, Myth) riunisce opere d’arte che illustrano forme di visione ciclopica alludendo alle tecnologie fotografiche, riutilizzandole o modificandole, per riflettere su come vediamo o siamo visti attraverso un punto di vista monoculare. Questo motivo ricorre in tutta la mostra, a partire da Eye 3 (2026) di Jasper Marsalis, per cui l’artista ha sviluppato un software in grado di riconoscere l’occhio di una persona, trasmettendone l’immagine da una videocamera a un piccolo monitor installato in un’altra stanza della mostra. L’allestimento delle apparecchiature all’ingresso di INCURVA mette deliberatamente in scena questo processo, giocando sul culto della personalità in cui nessuno è al sicuro da un occhio predatorio onnipresente.

L’interpretazione della macchina fotografica data da Raspé suggerisce inoltre che l’occhio non possa esistere senza un corpo, o un supporto, tema accennato nelle opere di Nina Porter e Davide Stucchi. Realizzate con sfere di legno svuotate, le semplici fotocamere stenopeiche di Porter ricordano singolari bulbi oculari senza corpo che, proprio come le macchine fotografiche, sono inutili senza qualcuno che le azioni. Queste opere sono state realizzate per essere utilizzate in momenti specifici del futuro, indicati da titoli quali Winter 35, For the year 2065 e summer 2074 (tutte del 2025), una futurità intrinseca che tuttavia collega la fotografia alle sue origini rudimentali. Mentre la macchina fotografica, in quanto surrogato dell’occhio, necessita di un corpo o di un treppiede che la sostenga, Stucchi ha realizzato una nuova scultura per la vetrina di INCURVA, immaginandola come appartenente al negozio di macchine fotografiche descritto nel testo di Smithson. Un gruppo di treppiedi sostiene un piano circolare in vetro per creare un tavolo espositivo per una macchina fotografica. Nello spazio, pezzi di nastro adesivo dai colori vivaci applicati al pavimento delimitano la posizione delle gambe di un treppiede, spesso utilizzato dai paparazzi all’inseguimento delle celebrità.

Altre opere rappresentano lo scorrere del tempo in relazione ai cambiamenti tecnologici. Nella scultura di Simon Dybbroe Møller, News (2010), una pellicola in 16 mm viene proiettata sulla superficie piana dello schermo di un televisore a retroproiezione. Dybbroe Møller ha filmato versioni semplificate e improvvisate dei loghi delle trasmissioni di notizie globali che incorporavano l’occhio singolo nelle sequenze di apertura e nelle sigle dei loro programmi. La colonna sonora, una versione ubriaca del jingle della CBS, infonde all’opera un senso inquietante di antico canto. Allo stesso modo, Dora Budor ha fuso diversi mezzi espressivi nella sua opera, Drama in a Dramatized Society (2025). Questa cosiddetta «video-scultura» è un monitor cubico improvvisato, realizzato con una scatola di cartone per la spedizione di bottiglie di champagne, avanzata dai festeggiamenti di Capodanno, e una lente di Fresnel che deforma e distorce le scene del film muto L’Argent di Marcel L’Herbier del 1928, visibili attraverso di essa. Come Dybbroe Møller, l’uso dei materiali da parte di Budor fa riferimento agli sviluppi nel modo di guardare; la lente di Fresnel era usata regolarmente nei monitor a tubo catodico prima della tecnologia a schermo piatto. L’appiattimento dell’immagine nel tempo rimanda anche a una visione ciclopica priva di profondità.

Camera 4 (Lumix) in uso dal 2018 (2021), di Jana Euler, fa parte di una serie di dipinti dedicati a famose marche di fotocamere reflex a pellicola, come Canon, Minolta e, in questo caso, Lumix. Come in molti altri suoi dipinti, la cornice funge da contenitore per l’immagine: le dimensioni della tela corrispondono alla forma della fotocamera vista di fronte. Ingrandito, tuttavia, l’obiettivo appare come un occhio gigantesco che sporge nello spazio. In I Ciclopi (Eye, Camera, Myth), il dipinto di Euler è posizionato al centro della mostra per creare un’onnipresenza, amplificando la sensazione contemporanea di poter essere catturati dalla fotocamera e registrati in qualsiasi momento.

Dora Budor (nata a Zagabria, Croazia) è un’artista e scrittrice che vive a New York. Formatasi come architetto, Budor esamina i luoghi in cui l’ambiente costruito e la soggettività si influenzano a vicenda, concentrandosi sulla dissoluzione della vita intesa come forma sociale condivisa e coerente. Utilizzando una vasta gamma di media – tra cui video, scultura, installazioni e suono – Budor sviluppa le sue mostre in risposta alle condizioni spaziali e psicosociali.

Il lavoro di Budor è stato presentato in importanti mostre internazionali, tra cui, più recentemente, la Biennale del Whitney (2024), la 15ª Biennale di Gwangju (2024) e la 59ª Biennale di Venezia (2022). Tra le sue mostre personali istituzionali recenti e in programma: Bonner Kunstverein (2026), Neue Berliner Kunstverein / n.b.k. (2026), Nottingham Contemporary (2024), Kunsthaus Bregenz (2022) e Kunsthalle Basel (2019). Attualmente è docente alla Städelschule di Francoforte.

Jana Euler (nata nel 1982 a Friedberg, Germania) vive e lavora a Francoforte e Bruxelles. Dalla metà degli anni 2000, Euler ha prodotto un corpus eterogeneo di opere che analizzano le basi sociali, materiali e storiche della pittura. Nota per la sua tecnica rigorosa e per un cast di personaggi sia reali che immaginari — da Leonardo a Duchamp, da Ed Sheeran a Whitney Houston —, l’artista gonfia, vaporizza o stravolge le sue fonti per rendere il ’familiare imperscrutabile. Euler manipola le convenzioni della figurazione per trovare nuovi sbocchi per il realismo pittorico.

Mostre personali selezionate di Euler: Leopold-Hoesch-Museum, Düren (2024–25); WIELS, Bruxelles (2024); Artists Space, New York (2020); Stedelijk Museum, Amsterdam (2017); Portikus, Francoforte (2015), Kunsthalle Zürich e Bonner Kunstverein (2014–15). Tra le mostre collettive di rilievo figurano la 59ª Biennale di Venezia, The Milk of Dreams (2022); il Museum Brandhorst (2023); il Museum of Modern Art (MoMA), New York (2023); Kunstmuseum Basel (2022); Fondazione Prada, Milano (2021); KW Institute for Contemporary Art, Berlino (2021); Manifesta 13, Marsiglia, Francia (2020); Museum für Moderne Kunst, Francoforte (2019); Tai Kwun, Hong Kong (2019); mumok, Vienna (2018); ICA Miami (2017–18); Musée d’art moderne et contemporain, Ginevra (2017); e il Whitney Museum of American Art, New York (2013).

Jasper Marsalis (nato nel 1995 a Los Angeles, Stati Uniti) vive e lavora a Londra, Regno Unito.

Spaziando tra pittura, scultura, musica e testo, Jasper Marsalis traccia un parallelo tra lo spazio dell’opera d’arte e quello di un artista sul palcoscenico, entrambi caratterizzati dall’esperienza di essere consumati dal pubblico. I riflettori abbaglianti sono una presenza ricorrente nella sua opera, oscurando gli oggetti a cui sono destinati e fungendo da ostacoli alla visione. La tensione dell'impermeabilità si riflette nelle sculture, le cui fratture superficiali sembrano scalpellare l'opacità. Turbando la percezione, Marsalis mette in discussione il centrismo oculare dell'arte visiva e il ruolo associato dello spettacolo e dell'accesso.

Si è laureato con un BFA presso la Cooper Union nel 2017. Le sue mostre personali recenti e in programma includono la Chisenhale Gallery, Londra, Regno Unito (2026); l’Aspen Art Museum, Stati Uniti (2025); Emalin, Londra, Regno Unito (2024); la Kristina Kite Gallery, Los Angeles, Stati Uniti (2023); Emalin, Londra, Regno Unito (2022); Midway Contemporary Art, Minneapolis, Stati Uniti (2020); Kristina Kite Gallery, Los Angeles, Stati Uniti (2020); e Svetlana, New York, Stati Uniti (2018).

Simon Dybbroe Møller In qualità di esponente di spicco di un’arte che pone l’accento sulla connessione, la giustapposizione e la relazionalità, le opere di Simon Dybbroe Møller indagano il rapporto tra la materialità concreta della scultura e la sua rappresentazione e mediazione fotografica. Simon Dybbroe Møller esplora ciò che la scultura è o può essere in un mondo dominato dalla fotografia; un mondo in cui la nostra economia e la nostra attenzione si sono spostate dall’oggetto all’immagine. Piuttosto che limitarsi a un unico mezzo o stile, esplora continuamente nuovi territori, muovendosi tra cinema, fotografia, oggetti trovati, scultura, scrittura, curatela e insegnamento. Dopo aver studiato alla Kunstakademie di Düsseldorf e alla Städelschule di Francoforte sul Meno, Simon Dybbroe Møller è attualmente professore alla Scuola di Scultura dell’Accademia Reale Danese di Belle Arti di Copenaghen, dove cura la serie di performance Why Words Now.

Simon Dybbroe Møller ha tenuto mostre personali alla Kunsthal Charlottenborg di Copenaghen, al Centro d’Arte Contemporanea di Vilnius, al CAPC di Bordeaux, alla Kunsthalle di San Paolo, al Belvedere 21 di Vienna, alla Fondazione Giuliani di Roma, al Kunstverein di Hannover e al Frankfurter Kunstverein. Il suo lavoro è stato incluso nella 1ª Biennale di Klaipėda; nella 14ª Biennale di Taipei, nella 5ª Biennale di Mosca, nella 9ª Biennale di Berlino, nella 2ª Triennale di Torino, in Momentum – la 6ª Biennale Nordica e in mostre collettive al Barbican di Londra, al MAST di Bologna, alla SMK National Gallery di Copenaghen, al Palais de Tokyo di Parigi, al MOCA di Detroit, al CCA Wattis di San Francisco, al Centre Pompidou di Parigi, all’Hamburger Bahnhof di Berlino, al MMK di Francoforte sul Meno, al Museum of Contemporary Art di Tokyo, all’Art Sonje di Seul, al Museum Ludwig di Colonia e al KW di Berlino.

Nina Porter (nata a Londra nel 1994) vive e lavora tra Londra e Francoforte. Le sue mostre più recenti si sono tenute presso Theta a New York, a. SQUIRE a Londra, Sweetwater a Berlino e Petrine a Parigi.

Margaret Raspé (1933–2023) ha esplorato le strutture della percezione per cinque decenni, spaziando dal cinema alla performance e all’installazione. È nota soprattutto per i suoi film realizzati con la telecamera integrata nel casco negli anni ’70 e ’80, che hanno catturato una prospettiva in prima persona delle faccende domestiche e delle attività quotidiane. Le sue opere successive hanno affrontato temi quali l’ecologia, la sostenibilità e la spiritualità, pur rimanendo radicate nello studio della percezione.

I film di Raspé hanno ottenuto un precoce riconoscimento internazionale in sedi come l’Anthology Film Archives e la Hayward Gallery. La sua casa di Berlino è stata un luogo significativo per lo scambio artistico con gruppi come gli Azionisti viennesi e il Fluxus berlinese. Nel 2023, il suo lavoro è stato oggetto di un’importante retrospettiva alla Haus am Waldsee di Berlino ed è presente in collezioni pubbliche tra cui il Museum Ludwig e il mumok.

Tra le mostre recenti e future figurano il Museum Tinguely di Basilea (2026), l’EMST di Atene (2025) e il Musée d’Art Moderne de Paris (2024).

Davide Stucchi (nato nel 1988) vive e lavora a Milano. La pratica artistica di Davide Stucchi si articola attraverso interventi minimali, spesso atti di sottrazione o alterazione applicati a materiali preesistenti. Le sue installazioni evocano la presenza di corpi assenti, ponendoli in un silenzioso dialogo con oggetti vulnerabili all’interno di spazi caratterizzati dall’intimità e dalla memoria privata. Questi ambienti, al tempo stesso fisici e psicologici, sono plasmati da una precisione che rifugge dall’ornamento e dall’eccesso.

Tra le recenti mostre personali figurano: Centro Pecci, Prato, Italia (2025); Martina Simeti, Milano, Italia (2024, 2021); Deborah Schamoni (2020); Sundogs, Parigi, Francia (2019); Gregor Staiger, Zurigo, Svizzera (2019). Il suo lavoro è stato presentato in mostre collettive al Museion, Bolzano, Italia (2024); Palazzo Ducale, Genova, Italia (2023); Fitzpatrick Gallery, Parigi, Francia (2021); Museo MACRO, Roma, Italia (2020); Quadriennale di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma, Italia (2020); Stadtgalerie Berna, Svizzera (2020); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, Italia (2018); Kunstverein Düsseldorf, Germania (2017); Quadriennale di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma, Italia (2016).

Team: Saim Demircan, Alice Giovannini, Giulia Monroy

Tutti i soci di INCURVA

Gallerie che hanno sostenuto il progetto:
A.Squire, Londra
Cabinet, Londra
Emalin, Londra
Francesca Minini, Milano
Galerie Molitor, Berlino
Martina Simeti, Milano

Amici che hanno collaborato:
Felix Gaudlitz
Franco Marino Videoservice, Trapani
Studio BB (Alessandro Bava, Fabrizio Ballabio)
Tilt-up, Trapani
Alberto Zenere
Bar della Piazzetta, Trapani

Fornitori:
Airtech, Ambiente, Art Service, Auci, Bomart, Bortolotti, Mario Daidone, Infase, Sinergie

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